Reseña #900- El cine en letras

Por Pablo Méndez

Una enumeración de libros sobre cine, y su eventual análisis, permite dar cuenta de la heterogeneidad de ofertas de lectura que existen sobre el séptimo arte. Una biografía sobre un cineasta fundamental, una compilación de ensayos sobre un sub género marginal, el tratamiento sobre la figura de Cristo en la historia del cine, una guía sobre el cine estadounidense de ciencia ficción, un libro que analiza el consumo de lo audiovisual en las nuevas tecnologías y un manual de divulgación sobre uno de los directores mas personales de la historia del cine.

Memorias de Roman Polanski, reeditado por Malpaso, originalmente escrito en 1985, es un libro controversial. En primer persona, el cineasta polaco repasa su vida, su obra, pero por supuesto el libro está anclado en dos hechos fundamentales: el asesinato de su esposa Sharon Tate a manos de la Familia Manson y la condena que tuvo por la violación de Samantha Geimer de 13 años durante una sesión fotográfica. Director de películas fundamentales como El cuchillo en el agua, Repulsión, El baile de los vampiros, El bebé de Rosemary, Chinatown y El pianista, la vida de Roman Polanski estuvo signada no solo por la grandeza de sus obras, también por esos dos hechos que aún lo persiguen: en los últimos tiempos algunas producciones retomaron con mayor o menor libertad creativa el asesinato de la actriz (Érase una vez en Hollywood, The haunting of Sharon Tate y la serie Mindhunter con un capítulo dedicado a Charles Manson); la violación a Geimer reflota cada tanto por el impulso de la prensa, de hecho el libro incluye un epílogo agregado en 2005 que habla de su proceso judicial. Estas memorias son esenciales para entender a uno de los directores de cine más importantes de la historia del cine, aunque también es una cartografía de la fama y sobre todo un fresco de tiempo: el gueto de Cracovia, el fin del hipismo, la persistencia de la degradación de la mujer por parte del hombre en cualquier escenario y época.

Giallo. Crimen, sexualidad y estilo en el cine de género italiano, editado por Colectivo Rutemberg, es un hallazgo no solo para cinéfilos, también para aquellos que intentan comprender su gusto por el cine. El giallo es un subgénero nacido en Italia a mediados de los setenta, toma su nombre de las publicaciones  literarias pulp italianas cuyas portadas eran de color amarillo (giallo = amarillo en italiano) y es una fusión de distintos géneros como el terror, el policial y el cine de misterio. El libro, a través de de 18 especialistas, compuesto de 24 artículos, despliega las distintas etapas para la comprensión del subgénero, su génesis y desarrollo, los aspectos técnicos (movimientos de cámara, montaje, fotografía que la definen). Los responsables de este libro enciclopédico son Álvaro Bretal, Natalio Pagés y Carlos Pagés, los compiladores. En el trabajo de selección, crearon un mapa donde ahondar, explicar y clasificar. La violencia y el sexo son dos de las principales características que se aprecian en películas como El pájaro de la plumas de cristal, Profondo Rosso, Bahía de moscas o Cuatro moscas de terciopelo gris. De la gran lista de directores se pueden mencionar a Darío Argento, Luigi Bazzoni, Sergio Martino y Luciano Ercoli. Los artículos abundan en las distintas etapas del subgénero que tiene una gran apertura en las secuencias culturales de la época: la revolución sexual y la cultura pop. Libro imprescindible  para entender una de las etapas del cine que ha adoptado la categoría de culto. Los colaboradores de este volumen son: Leandro Arteaga, Guillermo Colantonio, Ezequiel Iván Duarte, Luis Franc, James Grayce, Jaime Grijalba, Jim Harper, Claudio Huck, Juan Jiménez García, Mikel J. Koven, Delfina Margulis, Alex Morris, C. Adrián Muoyo, Nicolás Toler, Paula Vázquez Prieto.

El rostro de Cristo en el cine de Gustavo Bernstein, editado por Ítaca, revisa la cinematografía de la máxima construcción mítica de occidente. El autor intenta poner de manifiesto a través del análisis de los distintos estilos estéticos de los directores cómo el relato que propensa la fe se desarrolla desde los inicios del cine. En los diferentes recortes que promueven las películas mencionadas, el autor nos demuestra las distintas formas de ese tipo de evangelización en el posible espectador. El cine como difusor de cultura no solo propone arquetipos establecidos, también temáticas banales, es por eso que este libro es una gran conductor para entender no solo el rol del cine, también el de la religión. En ese desarrollo documental, la lista de películas ofrece distintos puntos de análisis, desde las primeras películas donde la imagen de Cristo estaba basada en la pictografía existente, hasta películas mas cercanas en el tiempo donde esa imagen se independiza y adquiere fuerza conceptual desde fotogramas originales. Algunos de los ejemplos que Bernstein toma son los siguientes: El evangelio según San Mateo (Pier Paolo Pasolini, 1964), Páginas del libro de Satán (Carl Theodor Dreyer, 1920), Jesucristo Superstar (Norman Jewinson, 1973), La última tentación de Cristo (Martin Scorcese, 1988) La pasión de Cristo (Mel Gibson, 2004). El rostro como canalizador de las intenciones: un redentor, un ser solidario, alguien que merece absoluta devoción, un sujeto deseante o una víctima de la violencia del hombre. Imposible no pensar que en esos gestos impresos en un rostro no existan las huellas del paroxismo del hombre: una simbología que impregna las fuerzas culturales en tensión.

En la tierra como en el cielo: cine estadounidense de ciencia ficción 1970-1989 de Matías Carnevale, Editado por UNICEN, es un libro-manual, un objeto de consulta permanente, un fetiche para cinéfilos y oradores de la ciencia ficción. Más de veinte películas analizadas que cruzan diferentes tipos de análisis: el encono político, la adaptación literaria, la metáfora ideológica. Así también funciona como un diccionario ci-fi donde términos como ucronía, distopía, utopía nos definen los aspectos característicos de las películas mencionadas. El tramo histórico que el autor acota es permeable a los cambios culturales de dos décadas paradigmáticas de los EEUU, las conspiraciones de la guerra fría durante la década del setenta y las implicancias culturales como el consumismo en los años ochenta. El cine como medio conductor de la cultura de masas, es un arte imprescindible para gestionar un análisis sobre los usos y costumbres de la industria cultural: un espejo ficcional para mirar la realidad. Por supuesto, la ciencia ficción en su aspecto mitológico-filosófico es un aspecto real significante para darle espesura a este corpus. La ciencia ficción o el terror, considerados durante mucho tiempo como géneros menores, tienen en la genealogía de su discurso las bases para el análisis de la sociedad desde las variables mas diversas. Algunas de las películas analizadas que funcionan como paradigma: 2001: odisea del espacio, El planeta de los simios, La guerra de las galaxias, La amenaza de Andrómeda, The Omega Man, Naves misteriosas, Blade Runner, Tron, Depredador, The Thing, Enemigo mío, entre otras. El libro tiene una particularidad que lo enaltece: conserva el rigor académico desde una prosa amena y abierta al público menos avezado. Cualidad significativa a la hora de una recepción siempre sujeta a categorías inamovibles y a un marketing de bateas rígidas. Obra de un autor con una prosa suelta pero con un peso argumental necesario para esta clase de libro. Material necesario de consulta para entender el arte y el género desde sus variantes históricas, políticas y culturales.

Los monstruos más fríos: estéticas después del cine de Silvia Schwarzböck, Editado por Mardulce, es un libro que ensaya la cultura audiovisual a partir de las nuevas subjetividades que atruenan en lo que llamaríamos la concepción “después del cine”. Como fenómeno de masas es imposible no hallar los círculos que las nuevas tecnologías marcan en el consumo actual. “Los monstruos fríos” no son otra cosa que esos espectadores que ha dejado el cine. Seres desapasionados despojados de cualquier reminiscencia nostálgica. En este texto que se inicia con la caracterización del cine como arte de estado va escalando alternado autores especializados: varios de la teoría crítica, Kluge, Simmel. El espectador es analizado ya no como un receptor de un enjambre de de fotogramas, sino como una parte intrínseca del cine. Los monstruos fríos, eclipsados en masa por el comunismo o el fascismo, representan la apatía del espectador moderno en la era de Netflix. El cine como un condensador de relatos, como una arquitectura visual donde se definen planos y movimientos de cámara, también representa un conglomerado de mitologías que a lo largo de la historia funcionan, en muchas ocasiones, como bisagras culturales. La explicitud en Hitchcock o en el cine porno provee esa píldora cegadora que supone el entendimiento del público hacia un estadio de abyección constante. Con un pie en los “usos” que en la emergencia narrativa que el público recibe, este ensayo trata de ahondar en la infinitud de una red virtual cada vez mas tendiente a despojar de identidad a sus consumidores, que es también una forma de definirlos.

Cuerpos fuera de control: el cine de David Cronenberg de Matías Orta, editado por Cuarto Menguante, es un detallado y total manual sobre el director canadiense, uno de los más personales de la historia del cine. El autor entra en la filmografía de Cronenberg pormenorizando cada fase, cada época, haciendo hincapié en el temario central de gran parte de su cine: el cuerpo, sus transformaciones; la ciencia ficción y el terror corporal. Desde sus primeros cortos hasta su última película, Polvo de estrellas, el cineasta no se ha separado nunca de su esencia. Siempre en pugna contra la edulcorada industria cinematográfica de Hollywood, los films de Cronenberg surfean la angustia psicológica y la mutación de la materia como simbolismo de la existencia humana. Pero también es de tener en cuenta el rastro antropológica de la violencia moderna a través de películas como Una historia de violencia y Promesas del este. Uno de los puntos interesantes de libro, además del raconto analítico de sus 20 películas, es la prosa del autor, un avezado comunicador cinéfilo con una prosa limpia y precisa que entretiene a la vez que informa y reflexiona. En definitiva, sortea el prejuicio de ser un libro solo para entendidos y se extiende hacia lectores no especializados. También hay aditivos que nutren al libro de un plus más que valioso: hay opiniones del director y de sus colaboradores como material exclusivo. Hacia el final, como un especie de anexo o de epílogo, un apartado nos ofrece los trabajos del director canadiense hizo en televisión, publicidad, además de su afán por realizar cameos en películas de otros directores y hasta de su incursión en la literatura. El prólogo es de Sebastián De Caro y las ilustraciones de Pablo Canade.

Memorias (2017)

Autor: Roman Polanski

Editorial: Malpaso

Género: memorias

Giallo: crimen, sexualidad y estilo en el cine de género italiano (2019)

Autor: varios

Editores: Natalio Pagés, Álvaro Bretal, Carlos Pagés

Editorial: Colectivo Rutemberg

Género: ensayo

El rostro de Cristo en el cine: una lectura cinematográfica del Evangelio (2019)

Autor: Gustavo Bernstein

Editorial: Ítaca

Género: ensayo

En la tierra como en el cielo: cine estadounidense de ciencia ficción 1970-1989 (2019)

Autor: Matías Carnevale

Editorial: UNICEN

Género: ensayo

Los monstruos más fríos: estéticas después del cine (2017)

Autora: Silvia Schwarzböck

Editorial: Mardulce

Género: ensayo

Cuerpos fuera de control: el cine de David Cronenberg (2019)

Autor: Matías Orta

Editorial: Cuarto Menguante

Género: análisis cinematográfico

Complemento circunstancial musical: